Kelkin, entre onirisme et dédale urbain

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Le street-artist originaire de Cergy, Kelkin (24 ans) étudie à l’école des Beaux Arts, à Angers. Depuis plusieurs années, il explore des souterrains, ornés de graffitis, pour y peindre son motif fétiche : le labyrinthe.


Sanctuaire

« Des nuits et des nuits passées à peindre sur des rangées de murs calcaires, dans l’obscurité la plus totale. » Le street-artist Kelkin se rappelle le temps où il se faisait la main dans des carrières souterraines, vestiges de la Seconde Guerre mondiale. L’atmosphère froidement troublante des grottes, aux allures primitives, ne lui fait plus peur. Lampe frontale fixée sur la tête et bombe de peinture à la main, Kelkin graffe sur la roche colossale, avec exaltation. « C’est devenu mon sanctuaire », sourit-il. Sa voix résonne dans l’immense labyrinthe souterrain. Le caractère sacré et onirique du lieu transmet une énergie positive au street-artist. « Quand je rentre en région parisienne, j’improvise parfois des sessions, avec des amis. Peindre dans les souterrains permet un retour à soi et à l’instinct primaire », explique Kelkin.

Symbole du rêve

Des tracés sinueux, des symboles antiques, du noir et du blanc. Voici l’univers artistique de l’artisan-peintre Kelkin. « Je passais du temps à dessiner dans ma chambre, évoque-t-il. Un jour, je me suis aperçu que des lignes tortueuses et abstraites apparaissaient sous mon feutre noir, comme un labyrinthe. » Son intention artistique ? S’approprier ce mythe, aux origines préhistoriques, et explorer un monde intérieur. « Pour moi, le labyrinthe est une figuration de l’Homme, explique-t-il. Tout au long de notre vie, on est confronté à des labyrinthes, comme la ville, véritable dédale urbain. »

Chargée en symboles, l’œuvre de Kelkin évoque le rêve et l’inconscient. « À travers mes peintures, je demande à chacun quel est son rêve, précise le jeune homme. Le public a le pouvoir d’actualiser l’œuvre et de donner un sens aux symboles qui s’y trouvent », s’enthousiasme-t-il. Le street-artist s’inspire des cultures étrangères, en intégrant des symboles Adinkra, berbères ou encore asiatiques. Une œuvre universelle qui fait cheminer le public dans son propre labyrinthe intérieur.

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« La Bateleur », par Kelkin, collection « Miroirs de Lames » 2018 – © Kelkin

« Faire vivre mon art »

« Je souhaitais être sur le terrain et faire des choses avec mes mains », résume Kelkin. Après avoir entamé une licence en Arts Plastiques à la Sorbonne en 2013, le jeune homme s’oriente vers une formation de peintre-décorateur, l’année suivante. Il fait ses preuves au sein de l’entreprise de décoration MVDECOR, où il apprend les techniques de base de la peinture. Aujourd’hui étudiant aux Beaux Arts à Angers, Kelkin perfectionne son savoir-faire. « Je suis en perpétuelle recherche artistique pour faire vivre ma passion », suggère le jeune artiste.

Le street-artist ne peint pas seulement dans les souterrains ténébreux. Lors du projet Street Art City, un lieu unique dans l’Allier (Auvergne) qui accueille les artistes du monde entier, Kelkin réalise ses œuvres les plus conséquentes. En résidence pendant cinq jours en juin 2017, il rénove une façade en friche et réhabilite la chambre 020 de l’Hôtel 128. « J’ai aussi présenté ma plus grosse exposition solo, ‘Miroirs de Lames’, à Street Art City », évoque-t-il, les yeux scintillants. Le lieu est ouvert au public jusqu’au 4 novembre 2018.

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La façade rénovée par Kelkin – © Street Art City


En attendant, Kelkin exposera au Muséum de Toulouse, le 16 octobre, dans le cadre de la semaine de l’étudiant. Une soirée-exposition organisée par l’association culturelle Aparté.

Découvrez le blog de Kelkin : https://kelkin.org/

Article à retrouver sur Urban Art Paris.

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La Haute École, tremplin des jeunes artistes #1

Musique, Reportages

« Éragny-sur-Oise, pépinière des musiques urbaines » #1

Collectif éragnien fondé en 2015 et composé de sept membres, la Haute École aide les jeunes artistes à construire leur projet.


Des néons bleus dans une salle obscure, une table de mixage et un piano synthétique réunissent la bande d’amis passionnés de rap, au Studio Neptune à Éragny. La voix grave du rappeur Ebenezer (alias Gama Boonta) résonne dans les enceintes. Le co-fondateur du collectif, Bass (24 ans), se souvient de ses débuts : « Je passais mes journées à enregistrer mes textes de rap chez Jérôme, DJ de notre collectif. C’est ce qui nous a donné l’envie de créer la Haute École pour développer nos projets artistiques ».

Un collectif passionné

Des rappeurs, des producteurs, des DJs, des vidéastes ou encore des graphistes. Voilà la force de la Haute École, composée des co-fondateurs Bass et Yanis, ainsi que d’Ebenezer, Jérôme, Antoine, Julien et Marvin. « Nos compétences artistiques diverses nous ont réunis pour créer le collectif et produire du contenu comme des clips ou de la musique », évoque Jérôme (alias Jigiggs, DJ). Chaque membre est libre d’entreprendre son projet, et bénéficie du soutien de la Haute École. Par exemple, Antoine, graphiste, a réalisé la pochette de l’EP « Nénuphar City » d’Ebenezer. A la fin des concerts de Yanis (alias Moneywood, producteur et DJ), Julien (vidéaste), réalise la vidéo de sa prestation sur scène. « Chacun apporte sa patte au projet de l’autre » explique Jérôme.

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© PolHermann Poupard

Soutenir des projets

Servir de tremplin aux jeunes qui se lancent dans une carrière artistique. Telle est l’ambition de la Haute École. Depuis quatre mois, le collectif est devenu une société qui gère la carrière de jeunes artistes, comme les groupes de rap GLGV ou 8scuela, ou encore les mannequins Junior et Makeda. « Nous avons travaillé sur la direction artistique du clip ’’Comment Te Dire Adieu’’ de GLGV » confie Bass. « On s’occupe également de trouver des shootings pour les modèles » ajoute-t-il. Ainsi, la Haute École élargit ses actions dans différents domaines artistiques.

Bass insiste sur l’aspect exigeant de la Haute École : « Notre indépendance nous permet de sélectionner les artistes les plus originaux possibles. La Haute École est un appel à la liberté artistique et nous cherchons des jeunes qui ont envie de tout donner pour leur carrière », s’enthousiasme-t-il.

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Bass, Ebenezer, Jérôme, Antoine et Julien, membres de la Haute Ecole – © PolHermann Poupard

Organisation d’événements

En plus du management des artistes, la Haute École organise des événements musicaux. En 2017, dans le cadre de l’inauguration de l’Espace Initiatives Jeunes qui accompagne les jeunes Éragniens dans leurs projets, la Haute École a bénéficié d’une résidence artistique à la Maison de la Challe pendant une semaine. « Ça nous a donné une véritable impulsion » confie Bass. Jérôme ajoute : « On a pu créer un concert de A à Z en apprenant à se servir du matériel technique ou gérer les transitions entre les morceaux ». A l’issue de cette semaine, les membres de Haute École se sont produits en concert dans la salle Victor Jara à Éragny-sur-Oise. Depuis, la Haute École enchaîne l’organisation de soirées musicales à Paris : la « Haute École Sundays » en août 2017 au Concorde Atlantique et le « HE CLUB » au Petit Bain en octobre dernier.

A partir du mois d’octobre, la Haute École prévoit d’organiser un événement mensuel. Un véritable bouillonnement culturel.

Laura Barbaray


 

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Le Studio Neptune, situé au 5, impasse des chasses marées à Eragny-sur-Oise, a ouvert ses portes le 2 juin 2018. Les gérants, Gabriel et Mathias, proposent des sessions d’enregistrements, du mixage, de la production, ou encore de la réalisation de clip. « Nous gérons l’ensemble des projets des artistes musicaux » évoque Gabriel.
Renseignements au 06 26 84 74 72 ou studio.neptune95@gmail.com

 

Prochain épisode #2 : Gama Boonta →

Article à retrouver dans la Gazette du Val d’Oise (n°2214, paru le mercredi 15 août 2018).

Riders

Reportages

Les roues qui rebondissent sur le bitume, des planches de bois qui virevoltent et des corps qui ondulent librement dans la chaleur douce d’un soir printanier. Sur les bords de la Seine, on s’arrête. Des jeunes, filles et garçons, semblent aussi légers qu’une petite bulle de savon. Comme suspendus dans l’air, ils dansent sur les planches colorées, enchaînent inlassablement les figures, emportés par une cadence enjouée. Une sensation d’osmose, hors du temps.

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Les Berges – © Laura Barbaray


Réunis au sein du collectif DockSession, les longboarders parisiens laissent libre cours à leur talent chaque dimanche sur les Berges de la Rive Gauche, en face du Musée d’Orsay. Initié en 2014 par Lotfi Lamaali, virtuose du longboard dancing et ambassadeur de marque (Loaded board), DockSession est un rassemblement hebdomadaire qui vise à promouvoir la discipline et créer un lien entre les différentes communautés de longboard à travers le monde. A Paris, l’association compte près de 200 passionnés. Une pratique qui allie danse et glisse.

« Nous, on fait pas mal de freestyle ». Trois jeunes longboard-danceuses, habituées des quais, évoquent leur sport favori. « On laisse flotter notre corps sur la planche, l’esthétique des mouvements s’acquiert peu à peu », explique Ophélie, sa longboard aux motifs tribaux dans les mains. Sur le terrain, les trois amies glissent naturellement, de façon harmonieuse et rythmée. Le longboard dancing attire aussi bien les filles que les garçons. Une mixité appréciée dans le monde du skate et de la culture urbaine.

 

 

Avec un peu d’élan et les écouteurs branchés sur une musique chill, les riders tournoient sur eux-mêmes avec souplesse. « Avant, j’étais trop raide sur la planche. Mais en un an de pratique, j’ai pris de l’aisance » remarque Marvin. Ses petits pas de danse habiles sur la planche lui donnent une sensation de liberté et d’apesanteur. Comme une fusion entre le danseur et sa matière première.

Devant le hangar métallique et tagué, Charles-Adrien lance sa longboard et la fait tourner entre ses pieds. C’est aussi lui qui fabrique les longues planches de bois, chacune personnalisée. Il a créé sa propre marque, Majutsu, imprégnée de culture japonaise. « J’ai aussi réalisé des collaborations avec des street-artists, dont Noty Aroz à l’occasion d’une exposition en 2016. J’ai dessiné le Murciélago – la divinité issue de Batman et de la Santa Muerte mexicaine – sur une longboard », se souvient-il.

 

 

Le bois de la planche racle le sol bétonné. « C’est la figure de l’ange », confie Marvin. Lotfi, le sourire aux lèvres, maîtrise sa longboard parfaitement. Sur place, il multiplie les pirouettes. Avec ses mains, il rattrape sa planche au vol. C’est ce qu’on appelle un aerograb dans le vocabulaire des riders. « On est là tous les dimanches » explique Lotfi. « La Docksession est un rendez-vous libre et spontané. Chacun ride comme il l’entend. Les plus expérimentés donnent des conseils aux novices et tout le monde passe un bon moment » s’enthousiasme-t-il. La seule consigne : une ambiance conviviale. Pour cela, des jam musicaux accompagnent régulièrement les sessions de longboard.

 

 

La DockSession a aussi sa mascotte. Saucisse le Jack Russell, sous le regard attendri des passants, monte volontiers sur une planche… et s’agrippe fermement au mollet de sa maîtresse.

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Saucisse – © Laura Barbaray

La communauté de longboarders évolue dans un climat apaisé, accueillant et chaleureux. Fédérés autour d’une discipline et d’un lieu, les riders partagent des expériences, tissent des liens et donnent une véritable impulsion à la création artistique.

Laura Barbaray

Chantiers

Reportages

Partout, ces femmes et ces hommes sont là. Ils sont parfois tellement proches qu’on ne les voit pas. Camouflés sous des taches de peintures ou encore hissés au sommet d’un échafaudage. Ils existent. Partout, des frontières humaines et sociales se dessinent. S’érige alors un monde séparé, divisé. Ces frontières, j’ai décidé de les gommer. Ou du moins de les relier entre elles. Ce récit entend redonner de la mémoire au métier d’ouvrier. De la matière, de la profondeur, comme à son image. A tous ces artisans qui ont consacré leur vie entière à bâtir notre monde. A Kevin et Antoine qui m’ont accueillie en terre hostile. Et à mon père que j’admire, qui m’a éduquée, nourrie, transmis sa soif de perfection et donné tant d’amour durant vingt ans.

 


Un matin de décembre, à l’approche de Noël, dans le petit village de Butry-sur-Oise tout près de la ville adorée de Van Gogh. Il fait nuit noire. Une légère bruine se pose délicatement sur nos visages. D’un pas encore engourdi, nous avançons dans la brume des premières heures. Là, un grand portail couleur de rouille veille sur une imposante maison de pierre. A travers les grilles aux motifs rococo, j’aperçois le chantier. Dans une faible lumière, un voile blanc et vaporeux semble suspendu à des barres métalliques. « C’est ici », me souffle papa. Nous franchissons le portail. Au même moment, une dame d’un certain âge apparaît sur le seuil de la maison, devant une porte vermeil. C’est la cliente. « Bonjour Madame », lance papa. Son regard perplexe me laisse penser qu’elle ne s’attendait pas à ma venue. Je lui explique que je souhaiterais réaliser un reportage photo sur le métier d’ouvrier. Un sourire bienveillant se dessine sur ses lèvres. Elle semble touchée et convaincue. A l’occasion de la veille des congés de Noël, elle apporte trois tasses de café bien chaud et du quatre-quart pour les artisans. Papa est ravi. « Des attentions comme celle-là, j’en reçois pas souvent » me confie-t-il.

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© Laura Barbaray

Dans la cour d’entrée, j’observe de plus près les immenses structures métalliques aux formes géométriques qui longent la façade de la maison à trois étages. Tout semble tenir sur un fil, comme flottant dans les airs. Le voile blanc me donne une impression d’intimité, de mystère. Comme si un secret devait être gardé, ici, au cœur de cette carcasse de fer.

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© Laura Barbaray

Papa se dirige vers un petit local, à droite de la maison. Un lieu exigu, mais chauffé. S’empilent les pots de peinture, les pinceaux, les brosses, les chiffons, les tréteaux. Difficile de faire un pas sans renverser du matériel. La poussière vole. L’odeur de la peinture laisse un goût amer au fond de la gorge. C’est ici que papa troque ses vêtements de ville contre son « blanc » selon son jargon. C’est ici qu’il déjeune, au milieu de ce chaos âpre et rude. Le voilà changé. Un pull noir et rêche, un pantalon blanc parsemé de taches de couleur sombres et claires à la fois.

Deux autres ouvriers, Kevin et Antoine, sont arrivés peu de temps après nous. Ils sont jeunes, et acceptent volontiers d’être pris en photo. Kevin a 26 ans. Il obtiendra bientôt une qualification supérieure. Antoine, lui, a 19 ans. Il prolonge son apprentissage en espérant valider son brevet professionnel.

 

Tous se mettent au travail. La radio est allumée dans le petit atelier. Sur le rythme de Gimme! Gimme! Gimme!, un genou à terre et les gants enfilés, papa prépare la peinture. « J’ai huit volets à repeindre ce matin » me dit-il. Comme une sorte de potion magique, il mélange avec promptitude sa matière première. La texture épaisse doit être plus onctueuse, plus moelleuse. Là, trouver la teneur parfaite. Avec souplesse et rapidité, il peint de façon mécanique le volet en bois posé sur les tréteaux. « Ce n’est pas ce qu’il y a de plus compliqué à peindre, les volets. Monter, descendre des échafaudages toute la journée, ça c’est fatiguant. A déplacer des meubles lourds, à enduire et repeindre des grandes surfaces, on prend des mauvaises positions. Mon dos est foutu depuis toutes ces années ».

 

Dehors, j’entends le raclement rugueux de la lisseuse sur le mur de façade. Kevin enduit le mur avec l’aide d’Antoine. En même temps, il apprend. Papa lance sur un ton blagueur : « Alors, ça y est, il a le coup ? » Kevin renchérit en plaisantant : « Ah, ça j’sais pas, mais en tout cas il a le coup du téléphone, c’est sûr ! ». Debout, les mains glacées mais d’un geste vif, Kevin et Antoine revêtent le mur d’une pâte épaisse et grise. Sous la bruine délicate, les mains s’abîment, les bras se contractent, le dos se raidit. L’air froid pique les yeux et fait renifler. A travers la fumée des cigarettes, au milieu des cendres pâles, on distingue toujours, oui toujours, le visage souriant et parfois rieur des trois artisans du monde.

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© Laura Barbaray


Ce projet a été réalisé dans le cadre de mes cours de photographie, à la Sorbonne. La consigne : suivre quelqu’un dans son quotidien, raconter une histoire et réaliser une série de 10 images. Me voici donc en immersion sur un chantier, adoptant une démarche de photo-reportage et accompagnée de mon père, Kevin et Antoine. J’ai alors voulu prolonger le projet : redonner de la mémoire, de la poésie au métier d’ouvrier. Un récit vient s’ajouter aux images. Les chantiers : un sujet que j’aimerais approfondir davantage.

L’intégralité des images dédiées au cours de photo ne figure pas sur le blog.

Laura Barbaray

Rencontre avec Noty Aroz : le street-art entre culture sacrée et populaire

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Un lieu, une rencontre

Montrouge, jeudi 8 juin 2017. Noty Aroz, un duo de jeunes artistes urbains, m’accueillent dans leur atelier. Des masques de super-héros sculptés, des graffs, des affiches abondent les murs recouverts de fil rouge. Pochoirs, bombes de peinture, crayons, ébauches et esquisses encombrent les planches à dessin et laissent deviner qu’un événement se prépare…

Me voici au cœur de la création artistique des deux street-artists où foisonne leur imagination débordante. Ainsi, je découvre les prémices de l’exposition intitulée « El Murciélago » qui a lieu du 23 au 25 juin 2017 à la Cremerie de Paris.

C’est à cette occasion que Noty Aroz ont accepté de répondre à mes questions.

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Atelier de Noty Aroz – Montrouge

Vos noms d’artistes sont un peu intrigants… d’où viennent-ils ?

Ce n’est pas nous qui les avons choisi. C’est notre père spirituel, qu’on appelle « Le Professeur » et qui nous a enseigné sa théorie sur les divinités que nous représentons. « Noty Aroz » est une énigme alors je ne peux pas donner la solution ! Mais l’indice numéro 1 est que c’est un palindrome graphique. C’est un mot qui s’écrit dans les deux sens graphiquement. Par exemple, le « N » est la même lettre que le « Z ».

Vous êtes deux jeunes artistes urbains. Quel est votre parcours et comment avez-vous débuté dans le monde de l’art ?

On s’est rencontré quand on était gamin. On faisait juste un peu de dessin et de graffiti quand on était ado. Puis, on a rencontré quelqu’un, Le Professeur, qui nous a beaucoup influencé sur notre démarche artistique et qui avait un regard particulier sur notre monde et sur l’art en général. Il nous a transmis un savoir qui s’est transformé en connaissance, et nous a guidé dans notre approche et dans son aboutissement. Un peu comme une mission à accomplir.

Qui est réellement ce « Professeur » ? Reste-t-il dans l’ombre ?

Il ne veut pas forcément que l’on dise son nom, c’est pour cela que nous l’appelons « Le Professeur ». Il a une théorie qui, comme beaucoup de scientifiques, est critiquée. Sa théorie se nomme le « syncrétisme fictif ». Un syncrétisme est une fusion entre deux cultures différentes. Par exemple, la Santa Muerte au Mexique est un syncrétisme car c’est un mélange des croyances mayas et du christianisme. Et fictif, car aujourd’hui, nous n’avons plus de grands mythes fondateurs qui permettent de donner des bases à une société. La spiritualité meurt et on retrouve ces mythes fondateurs dans la fiction. Grâce aux grandes histoires, les hommes donnent un sens à leur monde. Aujourd’hui, la fiction prend le pas sur le réel. Par exemple, on observe des personnes qui passent une grande partie de leur temps libre à se fabriquer des costumes de Stormtrooper. On peut appeler ça un fanatisme fictif. On peut constater dans la société un impact de la fiction sur le réel. Des divinités que le Professeur avait prédites en établissant un lien entre l’univers de Batman et l’univers de la fête des morts mexicaine, par exemple, se sont révélées vraies. En ce moment, au Mexique, des gens vénèrent Batman. Pour toutes nos divinités, il y a des histoires de ce genre.

C’est justement le sujet de votre exposition intitulée « El Murciélago » qui a lieu du 23 au 25 juin. Que représente ce personnage ?

Cette exposition se consacre uniquement au personnage du Murciélago. C’est une divinité syncrétique qui est un mélange entre la Santa Muerte mexicaine et l’univers de Batman. En 2011, dans la région de Veracruz au Mexique, des groupes d’individus anonymes se sont révoltés contre la violence des cartels mexicains, l’inefficacité de la police et les hommes politiques corrompus, et se sont unis afin d’exterminer les narcotrafiquants. Des légendes urbaines sont alors nées autour de ces individus, et on les a rapidement associés à Batman car on retrouve dans la célébration de la fête des morts au Mexique une inversion manichéenne symbolique. Au niveau des symboles, il y a une inversion entre le Bien et le Mal. Au Mexique, on célèbre la mort avec des fleurs, de la couleur, synonymes de la fête, et dans l’univers de Batman tout ce qui est bon est sombre et tout ce qui est mauvais est joyeux et coloré. C’est là le point commun entre ces deux univers. A partir de ce fait divers, le peuple de la région de Veracruz remerciait ces groupes d’individus : on les assimilait à des surhommes, on allumait des cierges pour eux, on se procurait des petites figurines de Batman. Cette Santa Muerte mexicaine a été confrontée avec l’univers de Batman pour obtenir « El Murciélago ». Après de nombreuses recherches, on a représenté ce personnage graphiquement, (voir photo ci-dessous) où tous les symboles sont justifiés : la balance de la justice qui est un symbole commun aux justiciers et à la Santa Muerte, la chauve-souris est l’animal totem de Batman mais également la divinité de la mort chez les mexicains. Plusieurs liens existaient et c’est justement cet élément déclencheur qui les a rapproché.

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Sérigraphie « El Murciélago » – Noty Aroz

A quoi pouvons-nous nous attendre lors de votre exposition ?

Il y aura des ateliers et des performances. Ce sera trois jours d’animation. Des amis street-artists collaboreront pour rendre hommage au Murciélago. Il y aura également des explications autour des œuvres pour tendre vers une exposition interactive, avec une installation sonore qui éclairera l’œuvre majeure. Près d’une vingtaine d’artistes différents présenteront leurs travaux. Des nouvelles œuvres seront aussi présentées, dont des nouvelles collaborations avec d’autres artistes. L’exposition comportera différents formats : les artistes Bebar, Jo Di Bona, Eddie Colla, Lord Urb1 et Matt_tieu taperont les vitrines, une grande planche de bande-dessinée collective sera exposée et un cadavre exquis sera réalisé en live le soir du vernissage.

Pouvez-vous définir le concept de « Mythologeny » qui est au cœur de votre projet artistique ?

La Mythologeny regroupe des nouvelles divinités qui répondent à une carence spirituelle de notre génération. Elles incarnent des nouvelles valeurs. A l’époque il y avait le dieu de la chasse, de la guerre… Aujourd’hui, ces thématiques ne nous touchent plus au quotidien. Des divinités plus contemporaines répondent à nos valeurs actuelles comme le dieu de la justice, de l’objectivité, du choix, des opprimés…

Le terme « Mythologeny » est la contraction de « mythologie » et « génération Y ». C’est l’ensemble de ces divinités qui forme une nouvelle mythologie.

Nous, quand on répand cette bonne parole, on fait de l’iconodulie, c’est-à-dire que l’on représente graphiquement des divinités religieuses, à l’inverse des iconoclastes. Le street-art est le meilleur moyen de répandre les images. C’est une sorte de pèlerinage artistique.

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Atelier de Noty Aroz – Mythologeny

La série « Mythologeny » regroupe des visages de personnages contemporains sculptés, comme des super-héros. Pourquoi avoir utilisé des techniques et des thèmes ancestraux, en décalage avec la culture street-art ?

Notre travail est dichotomique, toujours fondé sur les oppositions entre deux univers qui s’unissent, tant dans l’idée que dans la forme. En effet, nos noms d’artistes Noty Aroz s’opposent, on réfléchit sur le sacré et le populaire, la réalité et la fiction. Le concept de dualité est le cœur de notre démarche.

On a réalisé nos masques sculptés en 3D dans la même logique : la forme coordonne avec le fond. Pour le côté populaire, on a opté pour le pochoir, le graffiti. À l’opposé, la sculpture est pour nous la forme la plus sacrée. On a voulu confronter ces deux univers. Ces masques en 3D sont des superpositions de couches de pochoirs redécoupés, que l’on recompose avec des clous. Ainsi, on peut qualifier ces masques de totems contemporains.

La thématique du masque prend une place importante dans votre œuvre. Pourriez-vous en donner une interprétation ?

Ce qui est intéressant, c’est de comprendre pourquoi les personnages masqués nous parlent autant. Dans la théorie du syncrétisme fictif, on retrouve toujours des personnages masqués. Le masque est associé au divin, c’est ce qui permet à l’homme de devenir surhomme. Aujourd’hui, on le voit avec les super-héros. Par exemple, quand Peter Parker décide de devenir Spider-Man, son désir n’est plus de séduire sa voisine, mais de sauver le monde. Le masque permet d’accéder aux grands objectifs, aux grands enjeux. Les super-héros sont la suite logique des masques africains, des samouraïs : ils représentent le surhomme.

Votre œuvre interroge également les images. Au sein d’une société surmédiatisée où images, identités visuelles et publicité envahissent l’espace public, comment aborde-t-elle la question de l’image et du symbole ?

On représente le rapport au divin à travers ces personnages de fiction de façon oppressante dans la rue en travaillant sur la répétition. C’est en cela que le street-art fonctionne bien par rapport à notre démarche car c’est une pratique intrusive qui s’impose dans la société. Il y a véritablement une réflexion sur cette intrusion de l’art dans le quotidien. On utilise les mêmes outils que la publicité, mais à la différence, nous n’avons pas de message au premier degré qui dit de consommer telle ou telle chose. Notre objectif est de faire réfléchir la société, quelle que soit la génération, sur notre projet car elle reconnaît quelque chose qu’elle connaît. On souhaite poser une question. Une symbolique existe dans notre travail, et c’est pour partager nos idées que l’on prépare cette exposition.

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Screamses II – Noty Aroz

Aujourd’hui, les communautés de fans participent de plus en plus à la création d’un univers étendu, au-delà de la fiction originale, par exemple pour Star Wars ou Harry Potter. À travers le transmédia storytelling, les fans s’emparent de l’œuvre pour l’augmenter en exploitant différents supports (blogs, conception de costumes, jeux vidéos, lieux de rencontre…). Peut-on définir votre projet artistique comme nouveau support de la pratique du storytelling ?

Les communautés de fans ont besoin de la fiction pour se fédérer derrière une valeur commune. Ils se sentent appartenir à une collectivité qui les rassure et qui répond à leurs questions.

Il y a en effet un aspect narratif avec toutes les recherches que nous effectuons sur la mythologie pour les retranscrire graphiquement. On pense qu’il y a un besoin de faire émerger ces divinités pour répondre à une carence spirituelle. Notre travail est clairement un art transmédia. Le cœur de notre projet est d’aller chercher des représentants de nouvelles valeurs, de nouveaux dogmes. L’impact que peuvent avoir ces représentations sur les autres et sur le réel nous intéresse. En revanche, nous ne sommes pas du tout fans de l’univers des super-héros !

Pour finir, quelle est votre définition du street-art ? A-t-elle évolué ?

Aujourd’hui, en 2017, le street-art est un média comme un autre. Le graffiti est synonyme de mondialisation culturelle qui a évolué vers un style graphique. Le mur de l’artiste urbain est devenu un média simple d’utilisation, tout le monde peut s’en emparer. Cependant, il est important de se demander pourquoi c’est un art de la rue, un art public et pourquoi on s’impose aux gens en tant que street-artist.

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Pochoir Noty Aroz – 23, 24, 25 juin


Exposition à la Cremerie de Paris N°1                                                                                                

11, rue des déchargeurs 75001 Paris

Métro Châtelet-les-Halles

http://cremeriedeparis.com/notyaroz/ 

Laura Barbaray

Article à retrouver sur Urban Art Paris